"Blue Moon" es una canción del grupo estadounidense de Doo Woop The Marcels, que fue publicada en Febrero del año 1961y que cosechó un éxito rotundo a nivel planetario.

Formados en el año 1959 en Pittsburgh, Pennsylvania, por Lead Cornelius, quien era la voz principal, y compartía escenario junto a Fred Johnson, Gene Bricker, Ron Mundy y Richard Knauss. 

Si había una característica musical importante y notable de este grupo vocal era su extraordinario talento de convertir viejas canciones o baladas de los años 30's y 40's en piezas ligadas al rock and roll y a los juegos de voces tan llamativos a inicios de los 60's.

La historia de esta canción empieza en Enero de 1961 cuando Los Marcels se encontraban en los estudios de grabación de Colpix Records,ubicados en Nueva York, depurando y arreglando su nuevo repertorio musical junto al productor Stu Phillips. 

En esa ocasión la banda tenía que grabar, por contrato,  cuatro canciones, pero sólo traian tres en carpeta debido a que por problemas de viajes y actuaciones varias no les quedaba mucho tiempo para pensar en el futuro. Por lo tanto, la cuarta pieza quedaba a elección del productor, que además de ser un director en el estudio era un perfeccionista obsesivo a la hora de buscar nuevo material para sus bandas.

De tanto buscar entre sus cintas, Phillips llegó al estudio con una canción bajo el brazo y lista para ser "cocinada". Esta se llamaba "Blue Moon" , una famosa balada del año 1934 que pertenecía a la famosa dupla de compositores formada por  Richard Rodgers y Lorenz Hart.

Esta pieza musical pasó a ser eterna tras formar parte de la banda sonora de la pelicula Manhattan Melodrama, que fue dirigida por "Woody" Van Dyke y que contaba con la participación de Clark Gable, William Powell, y Myrna Loy.

A partir de esa mítica aparición en ese clásico del séptimo arte, la canción empezó a tomar fama, forma y por ello cantantes como Mel Tormé (quien la grabó en 1949 con gran exito en las radios)  o Elvis Presley (quien la lanzó como single en 1956, en plena "Elvismanía") no dudaron en grabarla para capturar aplausos, fama y buenas críticas. Eso sí, ambos la habían grabado en formato balada...

Phillips, con su característico perfeccionismo,  no quería volver a repetir la canción en formato de balada, ya que esa fórmula sería poco original y no iría de la mano con lo que quería la banda. Por ello, una vez que se las enseñó a sus pupilos, el productor les dijo que tenían que hacer algo original y que fuera llamativo para capturar la fama necesaria para ser reconocidos en todo el mundo.

Fue en ese preciso momento, cuando la banda aun se miraba las caras buscando alguna respuesta ante la petición de su productor, en que Phillips se acordó de una serie de improvisaciones vocales que la banda hacía en sus actuaciones en vivo. Esos raros sonidos que hacían los barítonos de los Marcels, como "bomp bomp-baba-" y "dip da dip", eran un gancho muy llamativo para la nueva versión que estaban tejiendo de "Blue Moon". Phillips no dudó en hacerle arreglos y adaptar una nueva melodía a un ritmo mas acelerado con el fin de lograr un resultado exitoso.

En tan sólo dos tomas, la banda ya tenía grabada su llamativa versión de "Blue Moon", la cuál fue lanzada como single en Febrero de 1961 y además seria el título de su disco debut, que vería la luz pública en Julio de ese año.

El single que incluía a "Blue Moon" fue un éxito rotundo, ya que estuvo 3 semanas liderando el Billboard Hot 100, y además fue número uno en el Reino Unido, donde fue premiada con disco de Oro. De esa manera The Marcels conseguía la fama definitiva y se instalaba en el podio de los charts mundiales y quedaba para siempre como uno de los grupos vocales que marcó la cancha en los 60's.

Pero mientras la canción sonaba en todas las radios del mundo en voz de los Marcels, Richard Rodgers declaraba su odio hacia esta versión enviando recados en varios diarios estadounidenses para que la gente no compre esa "basura" de disco.

Pero la canción (y la versión de los Marcels) tendría su revival gracias al futbol, y en especial en los estadios ingleses donde la hinchada del modesto club Crewe Alexandra  la interpretaba a viva voz, durante la década de los 80's, previo a que los "Ferroviarios" entraran a la cancha. Pero hoy en día esta canción ha sido retocada, y coreada en el Etihad Stadium y en cualquier estadio donde se presente el elenco del Manchester City, que hoy Domingo se proclamó campeón de la Liga Premier (en un partidazo!) gracias a un gol agónico del "Kun" Aguero en los descuentos. Tuvieron que pasar 44 años para que los Cityzen estuvieran nuevamente de fiesta!

Que la disfruten!

"Rocket Man (I Think It's Going to Be a Long, Long Time)" es una canción del cantante y pianista británico Elton John que fue lanzada como single un 17 de Abril del año 1972 cosechando gran éxito en los charts de todo el mundo.

Esta pieza musical,además,  está incluída en el disco Honky Château, exitosa quinta placa comercial de este cantante inglés que contiene una amplia gama de melodías eternas apoyadas por la delicada lírica de su partner, colega y poeta, Bernie Taupin y que estuvo bajo la producción del emblemático Gus Dudgeon, quien ya había trabajado con grandes artistas como Los Rolling Stones, Tom Jones, The Zombies, Eric Clapton y David Bowie.

1972 fue un año muy importante para la exploración espacial. A medida que pasaban los años, la tecnología se volvía mas avanzada y esto apoyaba a la carrera espacial con el fin de buscar respuestas certeras sobre nuestro pasado y futuro en medio del espacio exterior. Obviamente, todo este proceso de experimentación espacial tambien le llamaba la atención a los poetas y a los músicos y obviamente Bernie Taupin no fue la excepción.

El escritor siempre tuvo en mente hacer una canción que tuviera como contexto la vida de un solitario astronauta que trae a la mesa sus recuerdos de juventud y del presente mientras forma parte de un experimento científico.

Pero encontrar la frases perfecta no era tan fácil, y Bernie tuvo que esperar varias semanas hasta encontrar la inspiración definitiva. Y esta llegó un fin de semana de ese frio Enero de 1972, mientras iba en su carro rumbo a cenar a casa de sus padres en el condado de  Lincolnshire. Mientras conducía iba pensando en frases que calzaban perfectamente con la idea principal, y por ello apretó el acelerador, pescó una carretera secundaria, adelantó cuantos vehiculos aparecían e su ruta con el fin de llegar a casa de sus padres y escribir todas esas frases antes que su mala memoria hiciera su trabajo de barrer con todo.

Un par de días despés, Bernie pescó sus maletas y viajó al Château d'Hérouville, ubicado en Francias y que además era el búnker donde estaba Elton John y sus músicos preparando su nuevo disco. Cabe señalar que la banda de apoyo de tenía Elton John en esas sesiones francesas estaba formada por: Davey Johnstone en guitarras,
Dee Murray en bajo y Nigel Olsson en batería y percusiones varias. Una vez que tenían la formación lista, y liderados por Elton, empezaron a trabajar con un nuevo objetivo en mente: Ponerle música al nuevo escrito de Taupin.

El resultado final es una obra maestra con ciertos toques teatrales que le dan una caracerística muy especial a la rola.

Empieza simplemente con Elton John a solas con su piano  entonando unos desgarradores versos informando sobre su soledad. Luego, un toque de bajo da el inicio a la segunda parte, donde además aparecen  la batería de Nigel Olsson y una guitarra acústica a cargo de Davey Johnstone.

A partir de ese momento aparece la mano del productor Dudgeon, quien ya tenía experiencia en canciones que trataran sobre el espacio exterior y astronautas: Había trabajado con David Bowie  en 1969 en la aclamada pieza "Space Oddity". Obviamente, este detalle hizo que varios fanáticos y críticos musicales reclamaran cierto plagio de Elton John hacia la emblemática pieza del maestro David. pero eso sólo quedó en escritos y nunca pasó a mayores.

Deciamos que la mano de Dudgeon aparecía en en el momento en que labanda en pleno empezaba a entrar a la canción, y donde puso unos extraordinarios toques vocales que son el manto esencial a la hora de entrar al inolvidable y metafórico coro. Además tuvo la idea de incluír una parte de sintetizador, que estuvo a cargo de David Hentschel, la cuál le agregó mas firmeza a esa parte de la canción.

 Si bien la canción fue lanzada como single un día después del comentado lanzamiento del Apolo 16, esta pieza también contiene ciertas metáforas que comparan el sentir de ese astronauta con el estilo de vida de los rockeros famosos de ese tiempo. Los críticos pusieron mucha oreja en la letra y se dieron el tiempo de comentar que era una metáfora sobre la fama, el éxito, el dinero pero que también traía a la mano el perder el contacto con la familia, los amigos, y del mundo real en completo. La industria de la música era así, la fama te regalaba cosas pero te quitaba a veces las mas importantes y ese aislamiento era tan parecido al de ese astronaut que miraba con gesto nostálgico a su querido planeta tierra.

La razón de colocar un título anexo entre paréntesis vino días antes de publicar la canción. Resulta que una vez que Taupin y Elton habían elegido titular a la canción como "Rocket man", les llegó la información que en el año 1970 una banda psicodélica  estadounidense llamada Pearls Before Swine ya había lanzado un single cuya canción se titulaba de esa misma manera. Por ello, y para que la fanaticada no las confundieran , y marcaran de inmediato la cancha, es que ambos músicos decidieron poner un título anexado.

Años después, Taupin reconocería que "Rocket Man" tuvo cierta inspiración, en cuanto a la letra, de la canción del mismo nombre interpretada por la banda liderada por  Tom Rapp. A la vez, Rapp había mencionado años atrás que su lírica de esta canción estaba muy influenciada en los escritos  del famoso escritor de ciencia ficción Ray Bradbury.

 "Rocket Man" sería parte del éxito de Elton John en los setentas, ya que llegpo a la segunda casilla del UK Singles charts, y a la sexta posición del Billboard Hot 100, quedando como una de las piezas mas aplaudidas de este famoso músico inglés hincha a rabiar y presidente honorario del Watford F.C.

Debido al gran éxito de esta canción, Elton John decidió bautizar en 1973 a su empresa discografica como Rocket Records, la cuál tuvo entre sus primeros aliados a Neil Sedaka y su comentado regreso a las tablas con nuevos clásicos.

"Early 1970" es una canción del cantante, compositor y baterista Ringo Starr, que fue lanzada como single un 9 de Abril del año 1971 acompañando como cara B a la famosa y exitosa canción "It Don't Come Easy", la cuál contaba con la autoría de su ex-compañero en The Beatles, el señor George Harrison.

Esta canción, que posteriormente, en el año 1991, seria incluída en una nueva edición  del disco "Ringo" (1973) , va dedicada con mucho respeto a cada uno de los Fab- Four, que tras la ruptura de la banda y el proyecto musical de por medio, terminaron enojados, peleados y demandandose mutuamente en tribunales por problemas de dinero y ego. Lo curioso, es que en este tercer disco del baterísta, hay varias canciones donde aparecen acreditados Paul, George y John. Eso sí, en ninguna "rola" coincidieron los cuatro, pero ya era un buen mensaje para los llamativos 70's: Los Beatles, por lo menos, ya se podían ver las caras y disfrutar de una sesión de grabación a cargo de su simpático batería. Obviamente muchos medios especularon sobre la teoría de que la banda retomaría los planes para conquistar el mundo y seguir con la magia. Pero la historia y esta canción dijeron otra cosa...

La historia cuenta que la canción empezó a tomar forma mientras Ringo participaba como músico invitado en la grabación del disco "Plastic Ono Band" de su amigo John Lennon en Septiembre de 1970. En medio de esas largas sesiones de grabación enlos estudios Abbey Road, Ringo aprovechó los músicos de la sesión para trabajar una nueva pieza musical llamada  "When Four Knights Come To Town".

Días después, y aprovechando que había llegado George Harrison a los estudios de grabación, Ringo decidió grabar dos canciones para lanzar un single previo al lanzamiento de su próximo disco que estaba aún en carpeta.

Con George en el timón de la producción, Ringo grabó dos canciones: La ya mencionada"It Don´t Come Easy" y la rola de su propia autoría que venía ensayando, y que ahora tomaba como título "Early 1970". Para la grabación de esta ultima canción solamente trabajaron los dos ex-Beatles. Ringo se hizo a cargo de la guitarra acústica, del piano, la batería y la voz principal, mientras que George puso su guitarra slide (de la cuál ya daba clases), el bajo y los coros.

Dos protagonistas principales de una banda que marcó a la escena musical  del Siglo XX interpretaban una canción que hablaba sobre sus historias, sobre sus detalles actuales y sus vidas posteriores a ese "sueño" tan bien logrado. Es que "Early 1970" tenía en cada estrofa un mensaje a sus compañeros de banda que ahora estaban separados y con otros proyectos en solitario, pero que Ringo los invitaba a que un día aparecieran en su hogar para compartir, charlar, tocar viejas melodías y recordar los momentos que los hicieron grandes y reconocidos a nivel mundial.

La primera parte está dedicada a Paul McCartney. En ella Ringo relata la nueva vida de su amigo, en el campo, con sus ovejas y acompañado de su esposa e hijos.  Lo cierto es que en esos días Paul estaba mas proecupado en disolver en tribunales la historia oscura de The Beatles, que bajo la mano de Allen Klein como manager perdían mas que ganaban con los derechos de sus discos y canciones . Demanda tras demanda, insultos a sus compañeros, portazos en la cara a Ringo cuando este fue enviado por los demás a casa de Paul para proponerle que no lanzara su disco solista junto a "Let it Be", hacían que la estrofa de esta canción terminara con un triste verso: "And when he comes to town,
I wonder if he'll play with me".

La segunda estrofa va en homenaje a Lennon, con quien tenía una relación mas cálida en ese entonces. En ella se refiere al periodo de la "Terapia Primal", de la cuál Lennon y Yoko se mostraron interesados y fueron a Estados Unidos donde el mismo creador, el psicoanalista Arthur Janov,  para lograr curar las heridas del pasado y dejar atrás todas esas marcas de una vez (Ringo dice en su canción "They scream and they cried, now they're free").

Pero en ese verso también hay un pasaje muy notable, y era el fanatismo de Lennon por Cookie, el famoso monstruo de las Galletas del programa infantil  Plaza Sésamo, el cuál era su favorito mientras estaba en medio de la terapia Primal, y que era usado dentro del tratamiento con el fin de el paciente se conectara con el niño que llevaba por dentro.  Es por esta razón que Ringo en su canción grita con voz ronca "cookie".

En la parte que le hace un gesto a Harrison, Ringo habla sobre su paciencia que tenía su amigo para tocar la guitarra ante cada detalle o canción que se le apareciera por delante. También habla de la nueva vida del músico junto Pattie Boyd en su nueva finca. Lo que nadie sabía era qe en ese entonces la pareja no lae staba pasando muy bien debido a problemas de infidelidades y fanatismo reliogioso que hicieron que la pareja se separara en 1974 y que posteriormente la modelo se marchara con Clapton (el mejor amigo de George), dando vida a uno de los episodios mas singulares y comentados dentro de la historia del Rock.

Ya en la parte final,  Ringo se hace una parodia a sí mismo y se burla de sus defectos como músico (su dificultad para tocar guitarra y piano) pero también con cierto aire irónico para aquellos que dudaban sobre sus aportes en la banda. Finalmente termina su parte mencionando que sea como sea la historia, siempre tendrá la puerta abierta de su casa y de su estudio de grabación para sus tres compañeros con quien logró llegar a la fama absoluta y a la eternidad.

Una canción al mas puro estilo Ringo y que buscaba sanar las heridas dejadas por la ruptura de The Beatles y que marca parte de la historia de una banda que lo hizo todo en la histria de la música Popular...

 

"The Papas & The Mamas" es un disco interesante, con un repertorio muy notable pero lamentablemente estuvo marcado por una pobre venta y promoción en los medios. Una de las razones por las cuáles este disco casi pasó sin pena ni gloria en los charts fue que for ese entonces la banda ya no gozaba de la fama de antaño y simplemente hacían noticias por los problemas con las drogas, el alcohol y depresiones varias de sus integrantes.

Una de las canciones de este disco que sonó en las radios y que llamó la atención de la crítica fue la singular versión del clásico estadounidense 
"Dream a Little Dream of Me", en voz de Mama Cass. Esta canción, que tuvo su orígen en el año 1931 y que fue una de las mas recordadas en la época de la Gran Depresión, fue escrita por Fabian Andre, Wilbur Schwandt (ambos creadores de la base musical), y Gus Kahn (letra).

Los primeros en grabar oficialmente "Dream a Little Dream of Me" fueron  Ozzie Nelson y su Orquestra un 16 de Abril del año 1931. Dos días después aparecería en escena otra versión de la canción, pero esta vez en manos de Wayne King and His Orchestra junto al apoyo vocal del cantante Ernie Birchill. Esta ultima versión fue grabada bajo el patocinio del sello Victor Records y se convirtió en el registro mas popular.A partir de ese momento la canción empezó a tomar variadas versiones, y tuvo un notable crecimiento en su fama en los 50's, en especial por la versión  interpretada por la famosa cantante y actriz estadounidense Doris Day, quien en 1957 la interpretó en formato balada y fue todo un suceso en los charts. Otras versiones destacadas están a cargo de las voces de Louis Armstrong y de Ella Fitzgerald.

Hasta ese entonces la canción ya se había transformado en eterna, y en especial por su letra que por su simpleza pero marcada por la efectividad es uno d elos detalles que la hace tan grande. Por ello, en una entrevista para la NPR Donald Kahn, hijo de Gus y que también se las dá de compositor, señaló que el detalle esencial de esta rola era la simpleza de su letra y seguró que ese era el truco de su padre: "Él siempre trató de mantener en sus canciones letras simples. Siempre tenía en cuenta que muchos hombres y mujeres no sabían cómo decir  "te amo" y a veces recorrían años sin saber su verdadero significado".

Ahora, a pregunta que sale altiro a flote es: ¿Cómo llegaron los Mamas & The Papas a grabar esta aclamada canción?

Para ello debemos remontarnos al año 1959 y viajar a México. En ese entonces, Michelle Phillips. de tan sólo tenía 15 años, por razones familiares estaba viviendo en la capital de ese hermoso pais de tacos, rancheras y buen futbol. Fue en esas tierras donde el padre de Michelle se encontró con Fabian Andre, dueño de la parte musical de esta canción y entablaron una amistad ligada a la música.

Desde ese momento, Michelle empezó a escuchar esta famosa canción en voz y manos de su propio autor y cada vez que pescaba una guitarra la interpretaba a viva voz para recordar su infancia en esas tierras aztecas. Fue así como llegó a la canción a la banda, quienes siempre la interpretaban en los ensayos o alguna tertulia pero que no la habían legado a grabar por razones de tiempo y material propio destacado.

Pero en 1967, cuando se encontraban preparando material para su nuevo disco en casa de John y Michelle Phillips, la banda decidió grabar una versión de "Dream a
Little Dream of Me" y la primera en apuntarse con el protagonismo vocal fue "Mama" Cass Elliot, quien se tenia confianza para cantar a solas esta pieza musical. Segpun paabras de los demás integrantes de la banda, al momento de grabar esta pieza se le notaba muy feliz a Elliot, quien se sentía muy segura con esta canción y además la manejaba de manera espectacular a la hora de transmitir su sentimiento.

En una entrevista  con Melody Maker, horas después de grabar esta canción en 1967,  Cass Elliot declararía: " Traté de cantarla como si estuviera en el año 1943, como si alguien hubiese entrado al estudio y me dijera "mira, te traje una nueva canción". La canté como si fuera la primera vez".

La versión de la banda de "Dream a Little Dream of Me" fue todo un éxito en los estados Unidos. llegado a la casilla #12 del Billboard Hot 100 En Agosto de 1968 y fue como una pequeña calma (o inyección de calmante) ante la tormenta que vivía la banda en su interior con  peleas amorosas, infidelidades, adicciones a las drogas y otras locuras. Un mes después de triunfar en los Estados Unidos, "Dream a Little Dream of Me" llegó a la posición #11 del UK Singles charts y lideró los charts en Australia.

Meses después y aprovechando el éxito de la rola, Cass Elliot volvería a grabar esta canción pero con el fin de promocionar su disco solista "Dream a Little Dream", que fue publicado en Agosto del año 1968 y que recibió muy buenas críticas.

 Les dejamos una canción inmortal, cuya versión mas conocida hoy en día es la que dejaron los Mamas & The Papas, una agrupación que vió el cielo y el infierno en la carrertera del Pop, pero que dejaron un catalogo de canciones muy interesante.

Que la disfruten! 

"Hello" es una canción del compositor, cantante y actor estadounidense Lionel Richie, que fue lanzada como single un 13 de Febrero del año 1984 promocionando su disco "Can't Slow Down", segundo trabajo en solitario de este artista tras dejar The Commodores.

Dueño de una voz privilegiada, y de un talento notable para crear joyas Pop, Lionel encontró la fama como solista gracias a este disco. Con este trabajo musical, publicado en Octubre de 1983, el músico logró entrar al Top 10 estadounidense por casi 59 semanas, siendo uno de los discos mas vendidos del año 1984, llegando a los 20 millones de copias según la prensa y además se hizo dueño de un Grammy.  Con esos pergaminos, la carrera en solitario de Richie empezaba de manera magistral y batiendo records demanera inmediata.

Pero el disco tuvo grandes singles dentro de su glorioso repertorio y una de las piezas más destacadas fue la balada "Hello", que fue escrita por Richie un par de años atrás cuando se le ocurrió la idea de escribir algo que tuviera como contexto el conquistar una mujer.

Si bien el músico declara que por esa época era muy tímido a la hora de conocer y hablar con mujeres, siempre tuvo la idea en mente de llegar frente a esa chica que lo tenía loco y confesarle sin tapujos que "Hola, aquí está lo que estás buscando... Ese soy yo". La frase estaba lista, pero el resto de la lírica aún le partía la cabeza para armarla de manera perfecta.

Su productor, James Carmichael, siempre le tuvo fé a esa nueva creación que estaba por pulir Lionel y lo alentaba a que siguiera buscando las frases indicadas. Finalmente tuvieron que pasar un par de años para que recién la canción tuviera forma definitiva, y llegó justo cuando su primer disco, de título homónimo, estaba a punto de entrar al horno. Tras interpretarla, fue el mismísimo cantante quien la desechó del repertorio por encontrarla algo aburrida y fuera de forma con respecto al resto del repertorio del disco.

Pero si había alguien que le tenía fé a esa rola, aparte del productor, era Brenda Harvey, esposa del músico, quien siempre manifestaba su fanatismo por esa balada y le dejó muy en claro a Richie que en el próximo disco tenía que aparecer sí o sí porque tenía aroma a éxito seguro en los charts.

Y Brenda tenía toda la razón, ya que "Hello" se convirtió en la canción mas reconocida de su marido puesto que llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 en Mayo de 1984, donde estuvo 6 semanas liderandolo. En el Reino Unido la canción también llegó al primer puesto, al igual que en Suiza y Australia. No había dudas, esta balada hizo historia para la carrera musical de Lionel.

Al giual que muchos éxitos ochenteros, la canción fue apoyada en su promoción con un videoclip, y el de "Hello" también marcó terreno y para la crítica fue pasto de buen saco.

 En esta cinta, Lionel interpeta a un profesor que se enamora de una de sus alumnas, llamada Laura y que además era ciega. Ese papel fue interpretado por la actriz  Laura Carrington.

 Se cuenta que durante el rodaje de este videoclip Richie no paró de protestar de manera furiosa contra el director Bob Giraldi por incluír una mujer ciega que no tenía nada que ver con la canción y su temática. Ante todos los reclamos de parte del artista, Giraldi paró la grabación y le exclamó: "Tú no escribiste esta historia, Fui yo".

A pesar de que la canción es un éxito de aquello, su videoclip es considerado una joya ultra-cursi marcada por la polémica entre la relación amorosa profesor- alumno (que para el colegiado no era una buena imagen).

De hecho, recientemente, en el Reino Unido un programa de televisión llamado "The Box",  hizo una encuesta sobre el peor videclip de la historia de la música popular. El video ganador fue el de "Hello", con más de 8000 votos y ustedes ya deben saber cuáles fueron las justificaciones de los televidentes.

Les dejamos un clásico de clásicos. De esos para bailar a media luz, y de la época en que  los "lentos" eran parte importante de la fiesta.

Que la disfruten!

 

"Sister Golden Hair" es una canción de la banda inglesa America, que fue lanzada como single en mayo del año 1975 y que está incluída en su disco "Hearts", quinta placa comercial de este trio de folk-rock, y que cuenta con la producción de George Martin.

Esta emblemática agrupación estaba formada originalmente por tres hijos de militares estadounidenses radicados en el Reino Unido: Gerry Beckley (voz, guitarra, bajo y teclados),
Dewey Bunnell (voz, guitarras) y Dan Peek (voz, guitarra, teclados, bajo).  Juntos lograron crear armonías llamativas y muy notables, que fueron recompensadas en buenas posiciones en los charts y en un éxito rotundo con un catálogo musical muy reconocido con el paso de los años.

Una de las canciones mas destacadas dentro de este periodo de la banda fue la llamativa balada "Sister Golden Hair", que fue escrita por Beckley en Abril del año 1974 durante las sesiones de grabación de su anterior disco, Holiday.

En varias entrevistas Beckley comenta que tomó como inspiración para la base musical de esta pieza la canción de George Harrison, "My Sweet Lord", la cuál contaba con una llamativa parte de guitarra acústica de 12 cuerdas que llamó de inmediato su atención.

En cuánto a la letra, esta tiene el tinte característico de las composiciones de Gerry, donde trata temas tan complejos como, en este caso, las relaciones humanas y el entorno o el pedazo de tiempo que las convoca. En ese entonces, la escena rockera del sur de California vivía un florecimiento creciente y muy luminoso, con temáticas sociales y también intra-personales en sus líricas. Eso marcó mucho a Gerry, quien se empapó de toda esa energía y empezó a depurar su letras con manos mas poéticas y cuidadodas ante cada detalle.

Es por esta razón, que la canción también tiene cierta influencia en las obras musicales del cantautor estadounidense  Jackson Browne, quien por esa época pasaba por su mejor  y más frustífero momento musical. Sobre esto, Beckley afirmó en una entrevista en el 2004 que su fanatismo por  Jackson Browne  era porque tenía " la capacidad de poner
palabras en la música de manera perfecta y bajo el enfoque de la simplificación  sobre lo esencial ... Puede que la música Jackson sea depresiva, en algunos momentos, pero todo viene bajo una honestidad increíble. Fue por eso que canciones mías, como "Sister Golden Hair", traen esa visión sobre las cosas, con un estilo muy ligado a lo que se hacía en Los Angeles.  Fue un esfuerzo por sacar algo parecido a esas canciones, y fue hecha bajo un estado de ánimo muy distinto al la atmósfera la canción".

Consultado por la temática de la canción, Beckley ha sido tajante al admitir que tan poética no es en su estructura y que simplemente es un mensaje de amor de un hombre a su amada. Incluso, cuenta en esa entrevista, que cuando se las presentó a sus padres estos quedaron muy asustados ya que entendieron mal la letra y pensaron que iba dedicada a su hermana, que al parecer en esos días no la estaba pasando muy bien en su vida sentimental. "Lo más poético de " Sister Golden Hair " son las metáforas nada mas, y fue por esa razón que mis padres pensaron que iba dedicada a mi hermana, y eso no pude explicarlo claramente. Al parecer no la habpían comprendido o quizás no escucharon atentamente la letra" declararía el músico.

Cabe señalar que el título, fue inspirado inicialmente
por el color del cabello de las madres de los tres miembros del grupo: Las tres eran rubias.

 Musicalmente la canción es una joya que brilla con colores propios. Contiene unas capas de guitarras acústicas de 12 cuerdas que son muy llamativas y que tiene ciertos rasgos del rock clásico.

Gracias a esos detalles tan americanos, es que "Sister Golden Hair" llegó al primer lugar del Billboard Hot 100 un 14 de Junio del año 1975, donde estuvo por dos semanas hasta ser reemplazada por "Love Will Keep Us Together" del dúo Captain & Tennille. Este sería el segundo single de la banda en llegar a esa posición de los charts.

Que la disfruuuten!

"Hello Little Girl" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue grabada el 1 de Enero del año 1962 pero que recién fue publicada de manera oficial en Novimbre de 1995 en la colección de material inédito de la banda llamada Anthology 1. 

La importancia de esta canción recae en un dato muy especial: Es la primera canción oficial escrita por John Lennon, por el año 1957, en la pre-historia de una de las bandas mas importantes para la historia de la música contemporánea del siglo XX.

Como ya mencionamos, esta canción data del año 1957, cuando Lennon ya estaba tomando sus primeras armas a la hora de la composición, con el fin de crear material nuevo para su banda.

No existen registros oficiales de la canción de esa epoca, aunque muchos estudiosos de la banda han recalcado que tendría existencia una copia de un demo grabado por John en su casa, pero hasta ahora es muy díficil encontralo en alguno de los tantos bootleg que hacen homenaje a esta gran banda.

Pero si existe una versión demo, grabada a principios de 1960 donde  Lennon, McCartney y Harrison en guitarras, y Stuart Sutcliffe en el bajo interpretan una versión algo improvisada (se nota claramente que algunos versos salen al azar) de "Hello Little Girl" a ritmo de balada, con ciertos acrodes parecidos a las canciones de Buddy Holly, el héroe musical de John.

Otra influencia musical que tuvo esta canción, en especial por la estrcutura musical, fue una pieza llamada "It's De-Lovely" que data del año 1936 y cuya autoría recae en el famoso compositor estadounidense Cole Porter. Según Lennon, esta era una canción que conoció gracias a que su madre, Julia, la cantaba casi todos los días. Debido a eso, se inspiró y escribió una canción que tuviera ese efecto de poder ser fácil de enteneder y fácil de memorizar con frases simples y pocos acordes.

"Es mia y fue mi primera canción. Recuerdo que existían treinta o cuarenta canciones que hablaban de lo mismo, con frases como "Eres encantadora, eres deliciosa y da da da". Eso siempre me había fascinado, por alguna razón u otra. También está conectada con mi madre. Es todo muy freudiano esto. Ella solía cantar esas canciones" mencionaría Lennon en una de sus ultimas entrevistas en 1980.

La banda le tenía cierta confianza a esta canción, y por ello donde iban la interpretaban sea como sea. Asi fue como la seleccionaron dentro del repertorio de la famosa e histórica audición que tuvo la banda en el sello Decca el 1 de Enero de 1962. Para esa instancia, la banda ya tenía una gran cantidad de tocatas en el cuerpo y además habían perfeccionado mucho en sus instrumentos y también en la producción. Es por esa razón que la nueva versión de "Hello Little Girl" ya contenía nuevos arreglos en su base musical y además se la jugaban con unos llamativos juegos vocales, que posteriormente serían uno de los platos fuertes o sellos importantes de la banda a la hora de marcar la cancha.

Con a confianza de que sus canciones originales tenían la fuerza suficiente para demostrar calidad ante los productores del sello, en una peoca donde pocas bandas escribían e interpretaban sus canciones, Lennon  y McCartney alistaron su mejor repertorio y sus mejores pintas.

 "Hello Little Girl" y "Like Dreamers Do" de McCartney, serían los "caballitos de batalla" para dejar "locos" a los asistentes  de la audición de Decca. Es que ambas canciones venían siendo interpretadas desde 1958 cuando se hacían llamar The Quarrymen.

Ese 1 de enero de 1962 Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Pete Best  interpretaron, en menos de una hora, 15 canciones en los estudios del sello Decca bajo la atenta mirada del productor Tony Meehan.  El manager de la banda, el jóven empresario Brian Epstein, iugal tenía confianza en sus pupilos, y por ello había pagado por esta sesión e incluso se había dado el gusto de seleccionar algunas canciones del repertorio de la banda.

Finalmente, los gerentes de Decca decidieron tomar una semana para pensar si esta banda entraba o no en su catálogo.

Exactamente una semana despues llegó la respuesta por parte del sello, y esta fue negativa. La razón de esa llamativa  decisión  fue de antología: Los grupos de guitarra no prosperarían en los medios. Además, debido a los nervios y quizas también al mostrarse ansiosos frente a la propuesta, la banda no logró mostrar a pleno todo su potencial. En su reemplazo y para tapar bocas, Decca contrató a una banda llamada The Tremeloes, mientras Epstein lograba firmar un contrato con Parlophone (una subsidiaria de EMI), bajo la tutoría de George Martin, quien decidió cambiar a Best por Starr y el resto es historia...

Una vez que lograron quedar en este nuevo sello, el productor George Martin hizo un trabajo de pulir cada canción de la banda y finalmente una de las que quedó fuera del primer disco fue "Hello Little Girl". Pero Martin y compañía no querían dejarla eliminada por siempre y decidieron cderla a otra banda o solista.

Al primero que se le ofreció esta canción fue a la banda Gerry and the Pacemakers quienes tras escucharla atentamente no quedaron muy a gusto y optaron por tomar la segunda opción que les tenía Martin, la rola  "How Do You Do It" de Mitch Murray.

Finalmente la canción fue a parar en las voces de otra banda de Liverpool, llamada The Fourmost y que andaba en busca de una buena canción para sacar como single. Bajo la atenta mirada de George Martin, un 17 de Julio de 1963 esta banda grabó una versión de esta canción de Lennon y finalmente la publicó el 30 de agosto alcanzando la casilla #9 en el UK Singles charts.

 "Los Fourmost estaban ansiosos por tener un éxito en las listas y además eran muy buenos amigos con nosotros. Eran más parecido a un grupo de comedia, como de un acto de cabaret, realmente muy divertido, y cuando se trataba de hacer un disco o de ponerse serio en un programa de televisión, siempre se les veía riendo y uno altiro sonreía. Les era muy díficil ponerse serios. Por eso sabíamos que iban a conseguir un éxito y lo hicieron en un par de ocasiones" comentaría años después Paul McCartney sobre la desición de ayudar a esta banda con esta canción de Lennon.

En fin, hoy hemos traído a la palestra una pieza clave en la pre-historia de una de las bandas mas importantes para el siglo XX. Una pieza histórica, retocada, y que demostraba que estos cuatros chicos de Liverpool se tomaban las cosas en serio, y los resultados finales están a la vida...

Que a dis....!!!

"Daniel" es una canción del músico británico Elton John, que fue lanzada como single un 26 de Marzo del año 1973, con el fin de promocionar  el Lp "Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player", sexta placa comercial de este famoso artista.

Para el mundo del Pop/Rock, la figura de Elton John es un pilar fundamental a la hora de hacer balances históricos. Dueño de un talento especial para crear grandes melodías, un showman en el escenario y un actor camaleónico hacen de la carrera musical de Elton John una vitrina llena de premios, logros, doscos de Oro y un catálogo musical reconocido en todo el planeta.

Una de la canciones mas reconocidas de este sexto trabajo de Sir Elton es la balada "Daniel", dueña de una historia muy particular que pasaremos a contar.

Al igual que muchos de sus hits, el encargado de las letras fue el poeta, compositor y partner de Elton, el señor "Bernie" Taupin. Este se dió el tiempo de cederle un poema a Elton John llamado "Daniel", que fue escrito en Junio de 1972, y que hablaba sobre un veterano de la Guerra de Vietnam que intentaba buscar la paz y el descanso en su entorno cotidiano tras observar y vivir de manera cercana toda la crueldad de una guerra. Sobre la temática general de la canción, Taupin   declaró años después:  "La historia es sobre un chico que decide escapar a un
pequeño pueblo en Texas, tras regresar de la guerra de Vietnam. Su entorno familiar alababa a este jóven, y lo trataban como un héore. Pero él solo quería descanzar, estar en su campo, e intentar recobrar la vida normal que tenía antes. La escribí como un homenaje a todos esos veteranos que llegaron a su casa y simplemente se dedicaron a olvidar y a empezar nuevamente a vivir".

 La historia finaliza cuando Daniel, que era un personaje fictício, ya no aguanta más tanta presión y homenajes y decide dejar todo tirado en su granja y pescar sus maletas rumbo a España, donde tenía como objetuvi fundamental comenzar de cero otra vez.

Hasta ahí todo iba bien, pero el problema vino a la hora en que Elton quiso musicalizar ese poema. Para el músico, el poema que le habia enviado Taupin era muy extenso y eso para el ojo comercial comercial del sello era muy peligroso. Debido a eso, Elton John decidió omitir el ultimo verso, lo cuál cambió por completo el significado de la canción. En ese discriminado verso se hablaba sobre la llegada de "Daniel" a su granja, y además se daba la razón por la cuál decidió irse a España en busca de una nueva vida.

Al día siguiente en que Taupin le pasó la letra a Elton, este compuso la música , hizo los arreglos correspondientes y a la noche ya la tenía grabada pero sin el verso final que fue desechado de manera tajante por el músico. Recordemos que en esas sesiones de grabación de Junio de 1972, Elton y Taupin se habían puesto como meta escribir el máximo de canciones en tan solo dos semanas. El resultado final fueron 12 piezas escritas y grabadas en tan sólo 12 días, lo cuál es impactante ya que ni se nota que fueron hechas a la rápida y queda a flote el nivel de moticación e inspiración que ambos compositores tenían a la hora de trabajar ese disco.

Pese a que la canción no contaba con mucho apoyo por parte de la discográfica, ya que la encontraban algo poco comercial por su duración y podía caer simplemente como una balada mas dentro de las tantas que andaban por las radios, Elton John y sus secuaces   decidieron lanzarla como single promocional.

Finalmente esa idea fue muy exitosa, ya que a un mes de su publicación, y con una promoción muy lenta, "Daniel" lograba llegar al segundo puesto del Billboard Hot 100 y a la cuarta posición del UK Singles Charts.

Tras el éxito vino una serie de especulaciones por parte de la fanaticada y la prensa sobre la temática de la canción. Es que la idea de sacar el ultimo verso a la balada, por parte del músico, dejó muy oscura la temática y dió paso a muchas interpretaciones.

Un grupo empezó a mencionar que la canción hablaba sobre un hermano de Taupin, y que era de carácter autobiográfica. Mientras tanto aparecían otros personajes, mas extremos en cuanto a imaginación,que se atrevían a decir que la canción era dedicada a uno de los amantes de Elton John. Ante este festival de mentiras e inventos por parte d ela prensa, Taupin señalaría años después: "'Daniel' debe ser la canción más mal interpretada, por parte de la prensa, que jamás se haya escrito"

En fin, le dejamos una de la canciones mas famosas de la etapa setentera de Elton John, una pieza inolvidable y de un sabor musical inigualable.

Uno de los discos trae un compilatorio de los mayores éxitos dentro de la carrera como solista de MJ, mientras que el otro traía material inédito, donde quedaba mas que claro la madurez musical de este famoso artista, en especial por las líricas que dan un paseo reflexivo sobre una reflexión de lo que ocurría en el mundo en esos días.

Una de las canciones mas emotivas y brillantes de este disco es, sin lugar a dudas,  "Earth Song" . Una preciosa y simple balada con tintes Gospel que iba dedicada en defensa del planeta tierra y al repudio a todos los humanos que simplemente se dedican a destruirla, bajo una ceguera mental de no ver que es el hogar de todos y que simplemente nos hacemos daño el uno hacia el otro con esos actos tan innecesarios.

La canción tuvo su origen en un hotel de  Austria, mientras Michael estaba de gira y en sus horas de descanso miraba por la televisión el desastre de las guerras, la lucha por el poder,  la tala indiscriminada de árboles y bosques, la matanza de ballenas, la discriminación racial y el avance de la  selva de cemento.

En una entrevista con la Rolling Stone, Jackson se dió el tiempo de hablar sobre esta canción: "Escribí  'Earth Song' durante mi estadía en
Austria, en un hotel, empapado del dolor de ver tanto sufrimiento en el planeta tierra y cómo eso nos dejaba ciegos. Iba dedicada a la Tierra, porque me dí cuenta que estabamos tratando muy mal al medio ambiente, bajo un  desequilibrio ecológico que avanzaba día  a día. Creo que la tierra siente el dolor, y ella tiene muchas heridas. Por eso, tomé esta oportunidad de crear una canción, un sonido para el planeta y que el oyente la escuche y reflexione. Eso es 'Earth
Song'. Y eso es lo que la inspiró".

Una vez que le hizo los arreglos, Michael la llevó a los estudios de grabación donde empezó a trabajarla junto a los productores David Foster y Bill Bottrell. Ambos tuvieron la misión de moldearla canción y crear arreglos y efectos que fueran interpretados de manera instantanea por el oyente como un canto de la tierra. Además, Michael quería que la canción fuera líricamente profunda pero a la vez melódicamente sencilla, para que todo el mundo la cantara, aunque no fuera un experto en el idioma inglés.

Musicalmente, y como ya mencionamos, la canción tiene tintes de música Gospel, y para ello la producción tomó contacto con un experto en el tema: El cantautor, arreglista y pastor  Andraé Crouch. Junto a él, Michael ideó y arregló los coros, que luego serían grabados e incluídos en esta notable pieza musical.

Otros músicos que colaboraron en esta canción, fueron dos integrantes de la emblemática banda Toto: El señor David Paich, quien puso su aporte en teclados, y "Steve" Porcaro que tuvo su misión en los sintetizadores.

Además, para promocionar el single, Michael Jackson decidió apoyarla con un costoso y llamativo video-clip. La idea principal de este material audiovisual era dejar en claro la devastación de la Tierra por el hombre; la pobreza en Africa y en otras partes del mundo, matanzas indiscriminadas del hombre a animales y el calentamiento global.

Gracias a esa campaña de promoción la canción llegó al puesto #11 del Billboard Hot 100, y además se convirtió en la pieza musical de MJ de mayor éxito en el Reino Unido, donde llegó al primer puesto del UK Singles charts llegando a vender exactamente 1.038.821 copias del single.

En el resto del mundo, el single vendió cerca de tres millones de copias y se convirtió en otro gran éxito de este gran artista, considerado por la prensa y los especialistas como el "Rey del Pop".

 Hoy, 22 de Abril, todo el mundo celebra el día de la Tierra, y que mejor que transmitir mensajes por medio de canciones y Michael nos dejó una pieza eterna y muy significativa para la humanidad.

Cuidemos nuestro hogar, cuidemos nuestra tierra, no dejemos que por unos miserables dólares más los empresarios destruyan bosques y reservas naturales para hacer innecesarias hidroeléctricas, o empresas papeleras que sólo le sirven a algunos y le rompen el paisaje a miles de personas y animales. Que dejen de cazar las ballenas en alta mar, que no destruyan las playas ni se roben de manera titánica los recursos marinos para venderlo en el extranjero. Es nuestro Planeta, y somos solo cuidadanos de este mundo, es nuestor hogar, es nuestra historia.

Que la disfruten!

"Monkberry Moon Delight" es una canción del músico británico Paul McCartney, que está incluída en su comentado disco Ram, publicado en mayo del año 1971 y que es el segundo disco oficial como solista del ex-Beatle (y además es el único acreditado junto a su mujer, Linda).

Tras su lanzamiento, la crítica quedó confundida tras escuchar este disco, que estaba marcado por canciones de arreglos extraños, de psicodelia corriente y baladas hermosas. Además, el disco traía ciertos mensajes oscuros y amenzantes , que según la prensa y otros testigos del hecho, iban dedicadas a su antiguo compañero de banda, John Lennon.

Mas allá de esa leyenda, que hoy forma parte del anecdotario del Rock, Ram es un disco que se adelantó a su época, ya que con el paso de los años muchas bandas y solistas han declarado que ese disco debe formar parte sí o sí de la discoteca de todo amante del buen Rock y Pop.

Una de las canciones que mas llamó la atención, tanto por su extraña letra como por su magnífica parte musical, es la hiperactiva  "Monkberry Moon Delight", acreditada a Paul y Linda.

Esta pieza musical ha sido estudiada por muchos fanáticos de Paul, buscando un significado exacto a su letra, o algún mensaje que les abriera el camino a la inspiración original. Pero simplemente se trata de un juego de palabras que tomó Paul tras escuchar un dialogo de sus hijos mientras tomaban leche al desayuno una mañana en su casa de campo.

Los niños, en medio de sus juegos, le decían a la leche "Monk", que en español significa "monje", y de ahí nace la idea de Paul de crear una canción con un mensaje nublado, marcado por palabras extrañas o frases sin ningún peso metafórico real y que tuvieran como misión confundir o llamar la atención del oyente.

Pero Macca no se quedó solo con esa idea básica, y como buen escritor (o arquitecto de buenas canciones) buscó una historia y un objeto para su canción. Y así nace una extraña bebida imaginaria que bautizó como "Monkberry  Moon Delight" y que estaba inspirada en una historia similar de una canción del año 1959, escrita por la famosa dupla Leiber/Stoller, llamada "Love Potion No. 9" y que fuera popularizada por la banda estadounidense The Clovers .

"Tiene tintes a "Love Potion No. 9", en especial por la parte que dice 'sipping monkberry moon delight'. Era un batido de leche de fantasía nada más" declararía Paul años después tras ser consultado por esta canción.

Desde su epoca Beatle, Paul, y en mayor grado John, buscaban confundir a esos ilustrados que estudiaban día a día sus canciones para sacar mensajes extraño o reseñas de la muerte de uno de los integrantes de la banda. Uno de los ejemplos mas claros sobre ese comentado juego entre Beatles y fanáticada universitaria fue la canción "Glass Onion" donde se dan un paseo por las frases mas comentadas de sus canciones o supuestamente más polémicas, y le dan otro giro a las historias o dan la respuestas a varios mitos creados en torno a esas melodías. Al parecer, Paul hizo el mismo ejercicio con esta pieza musical, donde el objetivo fundamental iba para ese camino: Confundir al oyente con una lírica marcada juegos de palabras extrañas y a ratos casi sin sentido, como si fuera una obra hecha de la simple improvisación.

Por ello, muchos fanáticos cayern en ese juego tras escucharla. Algunos declaraban que Paul hablaba de las drogas o que la hizo bajo los efectos de alguna pastilla o alguna planta con efectos alucinógenos.  Otros se rindieron ante una obra abstracta, de tintes simples y que mostraba a un Paul McCartney inspirado, motivado y bien parado tras la caída de los Beatles.

Musicalmente la canción es una joya con aroma a Rock, mas bien a buen rock. Con una actuación vocal impresionante de Paul, donde aparece con una voz potente, gritona, rasposa y que recordaba canciones como "Oh! Darling" o su fantástica versión de "Long Tall Sally" . Pero también cuneta con un juego vocal muy llamativo, donde Linda toma vital importancia con una voz a contrapunto que respalda muy bien la actuación de su esposo. 

El resultado final fue una canción llamativa, interesante en cada detalle y que demuestra que este disco en su campo completo era cosa seria, y que no era llegar un criticarlo de manera tan fácil.

En 1979 apareció una nueva versión de esta canción pero en voz del maestro "Screamin" Jay Hawkins, quien cantó a viva voz una nueva " Monkberry Moon Delight" que fue publicada en su álbum Screamin' The Blues. McCartney quedó muy a gusto con esa sorpresiva versión, e incluso en algunos conciertos se dió el lujo de interpretar bajo esa versión su tan comentada pieza.

Una canción fenónemal es la que hemos tríado al ruedo hoy, y que viene en un disco altamente recomendado...

Que la disfruten!